Semana 4, viernes 28 de septiembre

Empezamos la clase como comenzó el jueves, con la misma obra del pintor y escultor italiano Umberto Boccioni, State of Mind: The Farewells.

State of Mind: The Farewells

Pero esta vez trabajaremos en blanco sobre lienzo negro, a ver cuáles son los resultados. El primer intento resultó fallido y el segundo ya salió bastante mejor.

  

Primer intento

Dibujo final

En la segunda parte de la clase seguimos centrados en la misma obra de Boccioni sólo que esta vez empleamos colores sobre el fondo negro. Los colores escogidos son absolutamente libres, y nos ponemos manos a la obra! Como hemos estado tratando esta misma técnica durante dos días parece que cada vez va saliendo un poco mejor.





En la tercera parte de la clase nos dedicamos al artista alemán Adolf Richard Fleischmann y, en particular, en esta obra de tonalidades rojas, rosas y blancas sobre lienzo negro. Cabe destacar la importancia del control del trazo para este ejercicio, pues el cuerpo estará implicado de una manera intensa si queremos producir un buen dibujo. El sistema de trazas es ortogonal, solo hay trazos horizontales y verticales, separados por la misma distancia siempre y respetando una secuencia previamente calculada.

Como ya se dijo ayer EL ARTE ES PRODUCTO DEL CUERPO y, por tanto, el perfecto control del cuerpo resulta fundamental para un buen trazado, un buen dibujo. Además observamos que las líneas están unidas correctamente, no son aleatorias.

Mi dibujo

Traduciendo los dibujos de Turner...

El trabajo de la semana pasada en clase giró en torno a, por un lado, la relación entre la tonalidad emocional y el gesto y, por el otro, el dibujo del movimiento y la quietud. 

Esta semana el trabajo para casa consistía en traducir los dibujos de Turner, pintor inglés especializado en paisajes, a través de conjuntos de haces de líneas. Como el objetivo que se perseguía era alcanzar la fluidez del trazo, se pidió que se realizaran varios intentos en diversos tamaños y con diversas herramientas.

Así, entre los primeros intentos o tanteos encontramos los siguientes:

                               

Aunque son trazos totalmente distintos a los que dibujó Turner, quise empezar con algunas pruebas en tamaños pequeños para ver cómo podía trasladar la técnica de Leonardo da Vinci a los propios dibujos de Turner.

Una vez tanteado el terreno, elaboré este primer intento basado en El fuego en el mar de Turner.

El fuego en el mar.

Traducción de El fuego en el mar.

Pero entonces recibimos un correo con algunas indicaciones de lo que de verdad debíamos dibujar y entonces rectifiqué y elaboré estos otros dos dibujos:

Traducción de El fuego en el mar

Tormenta de nieve sobre barco de vapor en la bocana del puerto.

Traducción de Tormenta de nieve sobre barco de vapor en la bocana del puerto.

Viernes 21 de septiembre, tercera semana de clase.

Invierno húmedo, 1982

Basándonos en la relación entre tonalidad emocional y gesto, y en el dibujo del propio movimiento, el trabajo de este viernes estuvo inspirado en el estilo del pintor español del siglo XX Fernando Zóbel.

El ejercicio de hoy consistía en observar el mundo desde una actividad contemplativa, pasiva en su mayor parte, con el objetivo de reflejar estados de ánimo. Para ello, observamos la técnica de este importante y famoso pintor, descubriendo unos trazos muy difuminados, suaves. Aunque en algunas obras, como en la que podemos ver a la derecha, encontramos cierta actitud agresiva con trazos más fuertes, más oscuros, en general lo que abunda en sus pinturas son ambientes y gestos relajados.

Navacerrada, 1965

Algo caracteriza también en gran medida a las obras de este pintor, y eso es la forma en la que integra el blanco del papel en el propio cuadro combinándolo con, por ejemplo, el carboncillo. Volvemos a observar la unión de trazos más definidos y trazos más difuminados sin dejar a un lado la armonía del cuadro.

Béjar II

Observamos contrastes leves en sus obras, colores de la misma gama, todo de una forma correctamente entonada. Jugando también con la luz, con la recuperación del blanco del papel; con la superposición de tintas, las transparencias; los fondos muy tratados, de tal manera que todos los colores se integran difuminándose y terminan siendo sólo uno. Si algo podemos destacar con absoluta afirmación es su extremada sensibilidad, su manera de tratar los colores, los trazos, ordenándolos de tal forma que consigue despertar emociones en el espectador. Como en el que tenemos a la derecha, en el que recupera la luz del cuadro frente a los duros y oscuros trazos negros del carboncillo.


Ahora que ya sabemos un poco más de este artista y de sus técnicas, nos disponemos a intentar llevarlas a nuestro lienzo.
En primer lugar, comenzamos pintando sobre papel blanco, difuminando los colores del fondo recuperando el blanco del papel mediante el empleo de la goma y con algunos trazos sencillos con tiza blanca.

Después, nos pasamos al lienzo negro, donde echamos mano del carboncillo para crear una textura oscura que parezca que está más cerca del espectador, y por encima de un fondo difuminado de varios colores, incluyendo algo de luz en la parte izquierda.

Segunda semana de clase

El objetivo de esta nueva semana en Dibujo, Análisis e Ideación es, como se ha dicho en clase, LIBERAR LA MANO. Esta tarea, que suena aparentemente sencilla, tiene, en realidad, bastante dificultad. ¿Y por qué? Por una sencilla razón: la sociedad. Ésta impone una serie de normas al ser humano que acaban condicionando sus movimientos. Desde pequeñitos nos van dando órdenes de cómo sentarnos, de cómo hablar y de qué hacer y qué no hacer, en definitiva.

Hoy en clase se ha dicho que nuestro elemento de trabajo es el CUERPO, y hay que soltarlo con el objetivo de probar, discurrir, TANTEAR. 

Sí que debe ser cierto que la sociedad condiciona nuestros movimientos, los reprime, porque hoy en clase me ha costado muchísimo moverme, mover el cuerpo para pintar. ¿Será miedo a fracasar?, ¿a salirme de lo establecido?, ¿de lo que siempre he hecho y me han enseñado?

Espero poder conseguirlo mañana o al menos no pensar, creo que esa es la esencia de todo, dejarse llevar sin miedo a lo que pueda salir. De hoy seguramente me quede con esta frase: "La cultura contemporánea antepone la acción a la teoría, lo que resulta una verdadera revolución." Parece realmente interesante esto de actuar y luego pensar, pintar y después reflexionar sobre los trazos, los colores y los movimientos.

La verdad, no he salido muy contenta de la clase de DAI hoy, creo que estoy demasiado agarrotada, me cuesta liberarme. Esperemos que mañana vaya mejor.

Visita al Thyssen: Edward Hopper

Después de una larga cola y recién entregados los tickets, nos abren paso a la selección de obras del pintor estadounidense Edward Hopper que el Thyssen aloja desde el mes de junio. 

Habitaciones junto al Mar, 1951

En la primera pared encontramos una serie de réplicas a menor escala de algunas de sus obras, entre lienzos y fotografías, que acompañan una pequeña biografía de su vida y sus trabajos. Ya aquí me llama la atención una de ellas, Habitaciones junto al mar. Por el tamaño de la replica y por la increíble afluencia de visitantes en los últimos días de la exposición, no puedo observarla con detenimiento. Pero ya en casa, y gracias a Internet, empleo unos minutos para fijarme en los detalles. Si algo cautiva mi atención es que no es extremadamente detallista; es una habitación, sí, pero prácticamente la totalidad del cuadro la ocupa el tabique que separa una habitación de otra. Analizando la imagen con lentitud he llegado a la subjetiva conclusión de que la luz es uno de los elementos más importantes de la obra. Durante la contemplación del cuadro, la sensación ha sido verdaderamente esclarecedora, relajante e incluso de rebeldía; y es que me transmite ansia de libertad. El hecho de que no haya pintado una puerta, un cristal o una ventana acerca dos "mundos" que podría considerarse que están separados, el del interior de una vivienda y el mar, símbolo de la naturaleza, la libertad, la vida en sí misma.

Avanzamos en la exposición y vamos viendo más obras. Así, me llama la atención la técnica que predomina en todos ellas. Desde mi joven e inexperto punto de vista, encuentro que los trazados no son exactos, perfectos, y que emplea numerosas tonalidades pero casi siempre creando imágenes muy vivas, llenas de color. Este rasgo me ha resultado especialmente interesante en aquellas obras que incluyen el mar, como en el caso de Blackwell's Island. Y es que he encontrado verdaderamente impactante la verosimilitud con la que representa el mar, creando una pintura que casi parece poseer relieve, tener su propia textura. 

Blackwell's Island

Puesta de sol ferroviaria

Hoy he recordado algo que el profesor Burgaleta dijo en clase la semana pasada. Hablando de visitar exposiciones, diferenció entre aquellas personas que visitan una exposición prestando atención a cada obra, leyendo el título y examinándola con detenimiento, de aquellas otras que entran en la sala y se paran en sólo esa que les llama la atención, que les impacta. Es lo que creo que ocurre con la obra Puesta de sol ferroviaria, y probablemente se deba al tratado de la luz. Todos hemos observado en numerosas ocasiones cómo se tiñe el cielo de tantos colores cuando llega el atardecer, desde narajas, rosas, amarillos a azules más y menos oscuros. En esta obra da la paradójica sensación de que el autor pretende restar importancia a lo que encontramos en primer plano, lo que sería la estación ferroviaria, empleando tonalidades oscuras y técnicas de sombreado para ello. El cauteloso detalle con el que trata el cielo llama poderosamente la atención sobre lo demás, centrando la atención del espectador sobre el mismo. 

Una vez más, me asombra el hecho de que una obra pueda hacerte sentir, emocionarte; es lo que considero que Edward Hopper logra con muchas de sus ideas y con su manera de reflejarlas sobre el lienzo.