Semana 8, Matisse y el espacio

Esta semana ha sido también Matisse nuestra fuente de inspiración digamos; o, más bien, nuestro guía para la difícil tarea que es la concretación, representación o dibujo del espacio.

Nos fijamos en Matisse y en cómo representó él mismo los espacios habitables; de una manera sencilla, en muchas ocasiones empleando exclusivamente un sólo color para todo el ambiente y definiendo el espacio mediante la representación de objetos o personas que en él se encontraban. Esto lo consigue gracias a la diferencia de tamaños entre los objetos o su propia definición. Todas esas particularidades las podemos apreciar en muchos de sus cuadros.

Red studio

Pero también es interesante ver cómo consigue que, lo que aparentemente es sólo una superficie definida con un solo color y sin ningún límite trazado, como el que podemos ver en el famoso cuadro Red studio; se convierta en un espacio totalmente verosímil. Esto lo consigue, en muchas ocasiones mediante un conjunto de tramas que diferencian los planos verticales de los horizontales por el sentido en que se trazan, por su grosor, o por el tipo. 

          

Se realizaron dos intentos de llevar las ideas de Matisse a nuestros lienzos, uno cada día de esta semana. Para ello, escogimos dos espacios distintos del propio aula para representar, por primera vez en este curso, el espacio como tal.

Antes de todo, es necesaria una primera labor de tanteo basada en bocetos. Primeros bocetos más esquemáticos, más generales, que poco a poco se van retocando y transformando en una representación del espacio más cercana a las que hizo Matisse.

Boceto

Dibujo del jueves 25

Dibujo del viernes 26

Semana 8; extrapolaciones

Para esta semana, el trabajo de casa consistía en crear ambientes nuevos mediante la combinación de distintos cuadros de Matisse.

Había un primer ejercicio que estaba más limitado, puesto que dos de los cuadros que usaríamos para desarrollar el dibujo eran obligatorios, invariables.

The girl with green eyes

The window

Los demás cuadros escogidos serían cualesquiera pero con la condición de que la mujer apareciese sentada y hubiera una mesa con objetos sobre ella.

Para mi dibujo final escogí estos otros cuadros de del autor postimpresionista.

Goldfish

Large red interior

The black table

El resultado final del primer ejercicio fue este: 

Dibujo 1

Para el ejercicio libre empleé los siguientes cuadros, uno de los cuales pertenece a la última etapa de su vida, en la que, por su enfermedad, no podía pintar de pie y se dedicó a la creación de cuadros mediante recortes de cartulinas y demás. 

Interior with goldfish

Danseuse dans la Fauteuil sol en Damier

Matisse woman

Spray of leaves

Este fue, pues, el resultado final: 

Dibujo 2

Semana 7, 19 de octubre

Igual que hicimos el jueves, el viernes también enfocamos la clase hacia los retratos centrados en Matisse. Pero esta vez, en su particular forma de representar, la que desarrolló al final de su vida mediante recortables, pues su enfermedad le impedía pintar de pie.

El autor trata las curvas de una manera diferente, original, que no es exactamente fiel a la realidad. Las extremidades son más largas de lo normal, las proporciones no son las convencionales, las manos y pies acaban de una forma inverosímil... En conclusión, lo que hace el autor es ARRIESGAR. Es precisamente esto lo que intentaremos hoy en clase.

Mi boceto

Mi dibujo

Semana 7, 18 de octubre

El autor en el que nos centraremos esta semana y también la siguiente es el pintor postimpresionista Henri Matisse.

Estudiamos y analizamos algunas de sus obras para descubrir varias características relevantes que nos serán útiles para después intentar llevar su misma práctica a nuestros cuadros.

Observamos que utiliza colores muy vivos. Sobre todo los colores primarios y sus complementarios dando así una sensación de vida, de alegría. No se pierde en detalles; es decir, no dibuja en perspectiva. Son siempre elementos planos.

Hoy enfocamos la clase al retrato, fijándonos para ello en otras de sus famosas obras.

Comenzamos realizando un primer boceto con rotuladores antes de dedicarnos al lienzo.

Boceto previo

Mi dibujo

Semana 6, fondos generativos

El trabajo de esta semana consistía en la creación o desarrollo del número de fondos figurativos que creyésemos convenientes aunque, eso sí, superiores a seis. 

Después de ver determinados ejemplos de autores como Mark Tobey, de lo explicado en clase, y de lo meditado en mi cabeza, he desarrollado los siguientes fondos.

Fondo figurativo de una sola capa:

Fondo figurativo de tres capas:

Fondo figurativo una vez emergidas las figuras:

Fondo figurativo de dos capas:

Rellenando espacios:

Fondo figurativo de varias capas:

Distintas líneas forman las figuras emergentes:

Semana 6, jueves 11 de octubre

La clase de hoy giró se basó más en la cultura, la cultura como sistema para producir figuras. Vamos dejando a un lado la tarea de recuperar nuestra "inconsciencia" de niños para desarrollar figuras que guardan mayor parecido con la realidad.

Al movimiento renacentista, caracterizado por el realismo y su concreta forma de desarrollarse, se contrapone el Barroco, que llega más tarde y provoca un gran desconcierto y desasosiego, pues se pierden todas esas referencias icónicas que predominaban en el Renacimiento.

Es con la llegada del Impresionismo cuando se da la final ruptura de toda figuración. Nace aquí el arte subjetivo. Como dijo Manet, "yo pinto lo que veo y no lo que otros acceden a ver". Lo verdaderamente importante pasa a ser la personalidad del propio artista, la obra es reflejo del estilo del autor. La pintura impresionista es resultado de la experiencia espontánea.

Esta clase estará centrada en el fovismo y su representante por excelencia, Matisse. El término "fovista" procede del francés "fauve", que significa salvaje, primitivo. Uno de los signos más característicos de este estilo es la utilización del color para marcar aquellas zonas inundadas de luz y aquellas otras totalmente ensombrecidas. Probablemente pueda definirse y explicarse bien con esta cita del gran Henri Matisse:

"(...) En ese momento entró en acción la influencia de Gauguin y Van Gogh. Eran las ideas del momento: construir con superficies coloreadas, buscar la intensidad a través de los efectos cromáticos; el material ya no tiene importancia. La luz ya no está apagada, sino que se libera en la interacción vibrante de las superficies brillantemente coloreadas:" 

 Pues bien, ahora que conocemos un poquito más acerca de la historia del arte, nos centramos en varios cuadros de Matisse para desarrollar nuestros dibujos de hoy.

The harmony dessert in red

Madame Matisse, The Green Line-Le Raie Verte

Para comenzar, nos ponemos por parejas y elaboramos bocetos previos de los retratos al estilo de Matisse que vamos a realizar. Y después, manos a la obra! 

Mi dibujo

Semana 5, viernes 5 de octubre

¿Y cómo se producen figuras tridimensionales habitables?

Hablamos de figuras icónicas, pues mantienen un parecido visual con la realidad, se corresponden con elementos de ésta.

Para hablar de los distintos momentos por los que pasamos en nuestra vida haremos referencia a tres etapas. En una primera etapa nos dedicamos a la exploración de gestos y movimientos desarrollando garabatos. Es ese momento en el que, de niños, cogemos por primera vez un lápiz, un rotulador o un bolígrafo y tanteamos, ¿qué se hace con esto? En una segunda etapa, entramos en contacto con el lenguaje, lo aprendemos y empezamos a asociar ciertas cosas de la realidad, ciertos objetos, a palabras que vamos conociendo. Entonces el niño opta por incluir en sus dibujos de garabatos, representaciones de objetos de la realidad: una casa, una flor, el sol, a su familia... Pero todo de una forma desordenada; a fin y al cabo sigue siendo eso, un niño. Llega entonces la tercera etapa y la sociedad le obliga a abandonar este liberal mundo del garabateo.

De nuevo recordamos la importancia de recuperar el mundo de los niños y de sus garabatos. El objetivo de la clase de hoy es desarrollar dibujos compuestos por garabatos que a su vez incluyan figuras icónicas. No se trata, bajo ningún concepto, de dibujos realistas. Vamos a intentar llevar a cabo dibujos como los de los autores pertenecientes al arte bruto, en los que simplemente aparecen los ojos la nariz y la boca, característicos de cualquier rostro. Éstos surgen, a su vez, de un entramado de garabatos que se ha realizado previamente liberando la mano.

Los dibujos de hoy tienen, por tanto, dos vertientes: la háptica, el ojo no controla a la mano; y la óptica, en la que el ojo sí la controla (icónico).

Garabatear abre una operación en el pintor que es tantear. La imagen surge de la madeja de líneas. El tanteo crea una figura fantasmagórica, que es el intermedio entre la realidad y la imaginación y tiene que ver con el subconsciente.

Nos centramos entonces en el pintor español Antonio Saura para desarrollar, también hoy, autorretratos, pero de esta nueva forma que se ha explicado. Nos inspiramos, en concreto, en esta obra suya que podemos apreciar a la derecha.

Destacamos dos líneas básicas: la que tiene que ver con lo inconsciente, con un movimiento inicial de tanteos, un movimiento háptico; y la que es más racional o constructiva. En otras palabras, un primer momento de tendencia gestual más expresiva y un segundo momento más racional, óptico.

Recordamos otra vez que no seremos creadores hasta que no probemos, tanteemos, perdiendo ese miedo al fracaso.

Hoy empezaremos haciendo un dibujo de madejas de líneas con técnica seca, a modo de boceto previo. Para ello podremos emplear todos los procedimientos que hemos practicado durante este primer mes en DAI: bandas, superposición de tintas, líneas, difuminados, el trato del color,etc.

Una vez finalizado este primer proceso, nos dispondremos a recuperar ciertas formas con el acrílico. Es importante puntualizar que estamos todavía hablando de cierta figuración, y que no es abstractismo.

¡Manos a la obra!

Con el carboncillo hago un primer boceto de garabatos, muy suaves, que se entrelazan, se superponen, van de un lado al otro del papel. Sin pensar, simplemente deslizándolo sobre el lienzo de una manera natural y suave.

Una vez terminado el entramado de líneas de distintos grosores, comienzo a introducir el acrílico. Primero negro y luego blanco seguido del ocre amarillo. Voy dejándome llevar y van surgiendo distintas formas, que a veces conservo y a veces tapo con otras distintas, creando así un entramado de capas con el que estoy bastante satisfecha. Al final, observándolo encuentro lo que podrían ser dos ojos y una boca.

Dibujo de hoy 

Semana 5, jueves 4 de octubre

El inicio de esta semana de clase viene acompañado del comienzo de la SEGUNDA ETAPA del curso. Finalizada la primera etapa, en la que nuestro objetivo ha sido siempre soltar y liberar la mano intentando deshacernos de los convencionalismos y del miedo a tantear, comenzamos esta etapa cuyo fin es iniciar el lento pero seguro camino hacia la producción de FIGURAS TRIDIMENSIONALES HABITABLES, pues es la principal tarea de un arquitecto.

Comenzamos entonces con la producción de figuras abstractas y hoy la clase se enfoca de una manera distinta a cómo se ha hecho en todas las veces anteriores. Hoy, para nuestra sorpresa, no nos enseñan obras de otros pintores como referencia de lo que tenemos que hacer. Estamos todos en círculo alrededor del profesor cuando éste dice:
- Vais a hacer un autorretrato. Hoy vais a dibujaros a vosotros mismos. Lo único que nosotros imponemos es que el papel sobre el que vamos a trabajar tiene que ser negro. Ya está. ¡Manos a la obra!

Y, obviamente, se oyen risas, murmullos, cuchicheos, caras de susto: "¿y ahora qué hago?"

Pues vamos a ello. Como la cara tiene que ocupar la totalidad del lienzo se hace todavía más complicado en mi opinión, porque dibujar desde tan cerca algo tan complejo como un rostro es casi imposible, y menos para los que no contamos con una virtuosa habilidad para pintar. Aun así, hay que intentarlo y este fue el resultado.

Mi autorretrato

Finalizado el tiempo estimado para el ejercicio, todos tenemos que ir a echar un vistazo a los dibujos de los compañeros y elegir, si es que te llama la atención, alguno de ellos para colgarlo en la pared de clase. Una vez estuvieron colocados los escogidos, se nos hizo la siguiente pregunta:

- ¿Cuál os llama la atención?

Pues resultó que prácticamente toda la clase coincidió en que el más interesante era el único que menos se asemejaba a la realidad. La mayoría habíamos intentado plasmar nuestros rostros tal y como son y el resultado obtenido fueron, y cito palabras textuales, "máscaras".

En todo ellos había una serie de elementos en común: ojos, nariz, boca, pelo y contorno de la cara. Así de simple y, por tanto, era imposible reconocernos a ninguno de nosotros mirando simplemente los autorretratos, puesto que no había nada significativo, nada que te impulsara a pensar en una persona por lo que ésta había reflejado en su lienzo.

Autorretrato Vincent Van Gogh

Encontramos así retratos a los que hacemos nos referimos como retratos realistas, como los que hicieron grandes maestros como Van Gogh o Leonardo Da Vinci. En un alarde de virtuosismo y dominio absoluto de la técnica, consiguen plasmar la realidad de una forma casi total, fiel a la realidad, tal cual se presenta. Hoy en día, tales retratos no son realmente necesarios, pues de ellos ya se encargan las cámaras fotográficas y con un éxito que, aunque claramente distinto, es mayor. 

Pero no es esto lo que buscamos, porque ni somos unos maestros en el arte ni nos interesa reflejar la realidad de una forma tan fiel. Hay que volver a la niñez, como se lleva hablando desde que empezó el curso hace ya un mes. Hay que olvidarse de esa etapa en la que empezamos a madurar como se nos fue imponiendo y nos olvidamos de esa parte de nosotros más liberal, menos meditada.

En esta clase dio tiempo a hacer dos nuevos intentos de autorretrato. No importante que todo sea perfecto, coherente; al contrario, hay que buscar las formas donde menos las esperemos. No se trata de hacer un dibujo meditado, localizando cada parte y después elaborando el retrato. A lo mejor son sólo manchas, garabatos, líneas...y el conjunto es lo que nos recuerda a una figura humana. 

¡Manos a la obra!

De pronto estoy en frente del lienzo negro con la caja de pasteles en la mano y siento un poco de miedo, ese miedo que tantas veces nos recuerdan que hay que perder. Que hay que deshacerse del temor a fracasar, a dibujar algo que se aleje de lo convencional, algo innovador, abstracto, original.

Voy rellenando la parte central del cuadro con un tono azul que me llama la atención. No consigo soltarme, el miedo sigue apoderándose de mi mano a pesar de las numerosas veces que el profesor Burgaleta pasa por detrás y me dice que no tenga miedo. 

Creo que es la primera vez desde el comienzo del curso que consigo deshacerme de mi conciencia, digamos, y comienzo a pintar. Pastel tras pastel, voy rellenando el lienzo de manera aleatoria, sin sopesar formas ni nada lógico. De pronto van apareciendo figuras, hasta llegar al resultado final. 

Por fin creo que me he deshecho de los convencionalismos, de lo que me han enseñado durante todos estos años y quizá, sólo quizá, he vuelto a mi niñez. Es una sensación agradable, la verdad.

Autorretrato 1

Cada vez me va gustando más esta asignatura. Por un momento olvido que tengo alrededor un montón de personas que podrían juzgar mi dibujo y, simplemente, me dejo llevar. 

Queda todavía tiempo y nos ponemos con otro intento; ya no hay más instrucciones, ¡que la inspiración me lleve a un buen dibujo es lo que espero!

Autorretrato 2

Lo cierto es que es el día que más contenta he salido de DAI desde que empezamos, porque considero que por fin he conseguido sacar a la niña que hay dentro de mí incorporando además algunas de las técnicas y procedimientos que llevamos practicando todos estos días anteriores en clase.

Semana 4, jueves 27 de septiembre

Con esta semana finaliza esta primera etapa de toma de contacto con el grafismo, los materiales, el movimiento, liberación y control de la mano.

The city rises

Esta semana nos centramos en las obras del pintor y escultor italiano Umberto Boccioni, teórico y principal exponente del movimiento futurista. Así escribió, junto con otros artistas, el Manifiesto de los pintores futuristas y el Manifiesto teórico del movimiento futurista; que afirmaba la necesidad de buscar la liberalización de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado con el nuevo objetivo de centrarse exclusivamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Algunos de los temas más frecuentes eran la ciudad en sí, los automóviles y la caótica realidad del día a día, del que podemos encontrar un ejemplo en la obra que se muestra a la derecha.


Boccioni expresa con una absoluta maestría el movimiento de las formas y la concreción de la materia en todas y cada una de sus obras, lo que define personalmente su estilo. Aun habiendo recibido influencias cubistas, intenta evitar el uso de las líneas rectas usando colores complementarios con el fin de conseguir un efecto de vibración.

Nos centramos pues, en una de sus obras en concreto:  States of Mind: The Farewells del año 1911, principios de siglo XX.

States of Mind: The Farewells, 1991

Empleamos un tiempo largo de observación y reflexión sobre la obra. Así, prestamos atención a la extensa superposición de capas caracterizadas por su transparencia; hay capas unas encima de otras pero se superponen de tal forma que se no tapan de una forma completa, sino que permiten la comprensión del dibujo mediante el análisis de lo que fue hecho antes y lo que fue hecho después. Observamos una primera etapa de tanteo, de balanceo podríamos decir. Esta etapa es claramente más suave, se crea primero el esquema del dibujo y se va trabajando sobre él. Oscureciendo algunas zonas y dejando otras más suaves para crear esa sensación de profundidad, de movimiento, de volumen.

Se ve como el autor avanza poco a poco en el dibujo rematando lo que se hizo con anterioridad e incluso apreciamos que no todo son bandas sueltas, sino que en algunas ocasiones éstas se unen formando agrupaciones de las mismas. Como ya se ha dicho, no se trata de bandas homogéneas, son más bien degradadas, lo que requiere el uso de distintas tonalidades de gris que persigan esa sensación de espacialidad, de volumen.

En cuanto a los materiales utilizados, cabe destacar la ausencia del trapo, no se difumina; y la exclusividad del carboncillo como material principal.

Si algo destaca en especial de este pintor es su fina sensibilidad para captar el movimiento, desarrollando la línea curva como si de un baile se tratara jugando al mismo tiempo con la presión de las curvas. Es de vital importancia DIBUJAR CON EL CUERPO, pues el dibujo es reflejo de los movimientos del cuerpo, el cuerpo tiene que moverse para alcanzar un buen dibujo. En este caso hablamos de un cuerpo relajado, blando.






Procedemos entonces a intentar llevar la misma técnica del famoso pintor a nuestro lienzo y, después de tres o cuatro intentos, lo cierto es que el resultado no es muy satisfactorio, todo hay que decirlo.

Intento día 1 semana 3

Pasamos a otro autor completamente diferente, continuando con nuestro intento de liberar poco a poco a poco la mano. Se trata de un autor perteneciente a lo que se conoce como expresionismo abstracto, y es un gran maestro del tachismo, que viene del inglés "tuch", el dibujo del gesto, del toque.

Los colores mayormente empleados son el rojo, el azul, el amarillo, el verde y distintos tonos de negro. La clave del resultado final es tachar con energía, con seguridad, sin miedo. Y es que perder el miedo a realizar algo fuera de lo normal, original, que se salga de lo convencional, es el primer paso para liberar la mano, objetivo fundamental de esta primera etapa del curso.

Secrets of the Mountain, 2010

Mi dibujo