Con esta semana finaliza esta primera etapa de toma de contacto con el grafismo, los materiales, el movimiento, liberación y control de la mano.
Esta semana nos centramos en las obras del pintor y escultor italiano Umberto Boccioni, teórico y principal exponente del movimiento futurista. Así escribió, junto con otros artistas, el Manifiesto de los pintores futuristas y el Manifiesto teórico del movimiento futurista; que afirmaba la necesidad de buscar la liberalización de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado con el nuevo objetivo de centrarse exclusivamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Algunos de los temas más frecuentes eran la ciudad en sí, los automóviles y la caótica realidad del día a día, del que podemos encontrar un ejemplo en la obra que se muestra a la derecha.
Boccioni expresa con una absoluta maestría el movimiento de las formas y la concreción de la materia en todas y cada una de sus obras, lo que define personalmente su estilo. Aun habiendo recibido influencias cubistas, intenta evitar el uso de las líneas rectas usando colores complementarios con el fin de conseguir un efecto de vibración.
Nos centramos pues, en una de sus obras en concreto: States of Mind: The Farewells del año 1911, principios de siglo XX.
Empleamos un tiempo largo de observación y reflexión sobre la obra. Así, prestamos atención a la extensa superposición de capas caracterizadas por su transparencia; hay capas unas encima de otras pero se superponen de tal forma que se no tapan de una forma completa, sino que permiten la comprensión del dibujo mediante el análisis de lo que fue hecho antes y lo que fue hecho después. Observamos una primera etapa de tanteo, de balanceo podríamos decir. Esta etapa es claramente más suave, se crea primero el esquema del dibujo y se va trabajando sobre él. Oscureciendo algunas zonas y dejando otras más suaves para crear esa sensación de profundidad, de movimiento, de volumen.
Se ve como el autor avanza poco a poco en el dibujo rematando lo que se hizo con anterioridad e incluso apreciamos que no todo son bandas sueltas, sino que en algunas ocasiones éstas se unen formando agrupaciones de las mismas. Como ya se ha dicho, no se trata de bandas homogéneas, son más bien degradadas, lo que requiere el uso de distintas tonalidades de gris que persigan esa sensación de espacialidad, de volumen.
En cuanto a los materiales utilizados, cabe destacar la ausencia del trapo, no se difumina; y la exclusividad del carboncillo como material principal.
Si algo destaca en especial de este pintor es su fina sensibilidad para captar el movimiento, desarrollando la línea curva como si de un baile se tratara jugando al mismo tiempo con la presión de las curvas. Es de vital importancia DIBUJAR CON EL CUERPO, pues el dibujo es reflejo de los movimientos del cuerpo, el cuerpo tiene que moverse para alcanzar un buen dibujo. En este caso hablamos de un cuerpo relajado, blando.
Procedemos entonces a intentar llevar la misma técnica del famoso pintor a nuestro lienzo y, después de tres o cuatro intentos, lo cierto es que el resultado no es muy satisfactorio, todo hay que decirlo.
Pasamos a otro autor completamente diferente, continuando con nuestro intento de liberar poco a poco a poco la mano. Se trata de un autor perteneciente a lo que se conoce como expresionismo abstracto, y es un gran maestro del tachismo, que viene del inglés "tuch", el dibujo del gesto, del toque.
Los colores mayormente empleados son el rojo, el azul, el amarillo, el verde y distintos tonos de negro. La clave del resultado final es tachar con energía, con seguridad, sin miedo. Y es que perder el miedo a realizar algo fuera de lo normal, original, que se salga de lo convencional, es el primer paso para liberar la mano, objetivo fundamental de esta primera etapa del curso.
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| The city rises |
Esta semana nos centramos en las obras del pintor y escultor italiano Umberto Boccioni, teórico y principal exponente del movimiento futurista. Así escribió, junto con otros artistas, el Manifiesto de los pintores futuristas y el Manifiesto teórico del movimiento futurista; que afirmaba la necesidad de buscar la liberalización de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado con el nuevo objetivo de centrarse exclusivamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en continua evolución. Algunos de los temas más frecuentes eran la ciudad en sí, los automóviles y la caótica realidad del día a día, del que podemos encontrar un ejemplo en la obra que se muestra a la derecha.
Boccioni expresa con una absoluta maestría el movimiento de las formas y la concreción de la materia en todas y cada una de sus obras, lo que define personalmente su estilo. Aun habiendo recibido influencias cubistas, intenta evitar el uso de las líneas rectas usando colores complementarios con el fin de conseguir un efecto de vibración.
Nos centramos pues, en una de sus obras en concreto: States of Mind: The Farewells del año 1911, principios de siglo XX.
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| States of Mind: The Farewells, 1991 |
Empleamos un tiempo largo de observación y reflexión sobre la obra. Así, prestamos atención a la extensa superposición de capas caracterizadas por su transparencia; hay capas unas encima de otras pero se superponen de tal forma que se no tapan de una forma completa, sino que permiten la comprensión del dibujo mediante el análisis de lo que fue hecho antes y lo que fue hecho después. Observamos una primera etapa de tanteo, de balanceo podríamos decir. Esta etapa es claramente más suave, se crea primero el esquema del dibujo y se va trabajando sobre él. Oscureciendo algunas zonas y dejando otras más suaves para crear esa sensación de profundidad, de movimiento, de volumen.
Se ve como el autor avanza poco a poco en el dibujo rematando lo que se hizo con anterioridad e incluso apreciamos que no todo son bandas sueltas, sino que en algunas ocasiones éstas se unen formando agrupaciones de las mismas. Como ya se ha dicho, no se trata de bandas homogéneas, son más bien degradadas, lo que requiere el uso de distintas tonalidades de gris que persigan esa sensación de espacialidad, de volumen.
En cuanto a los materiales utilizados, cabe destacar la ausencia del trapo, no se difumina; y la exclusividad del carboncillo como material principal.
Si algo destaca en especial de este pintor es su fina sensibilidad para captar el movimiento, desarrollando la línea curva como si de un baile se tratara jugando al mismo tiempo con la presión de las curvas. Es de vital importancia DIBUJAR CON EL CUERPO, pues el dibujo es reflejo de los movimientos del cuerpo, el cuerpo tiene que moverse para alcanzar un buen dibujo. En este caso hablamos de un cuerpo relajado, blando.
Procedemos entonces a intentar llevar la misma técnica del famoso pintor a nuestro lienzo y, después de tres o cuatro intentos, lo cierto es que el resultado no es muy satisfactorio, todo hay que decirlo.
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| Intento día 1 semana 3 |
Pasamos a otro autor completamente diferente, continuando con nuestro intento de liberar poco a poco a poco la mano. Se trata de un autor perteneciente a lo que se conoce como expresionismo abstracto, y es un gran maestro del tachismo, que viene del inglés "tuch", el dibujo del gesto, del toque.
Los colores mayormente empleados son el rojo, el azul, el amarillo, el verde y distintos tonos de negro. La clave del resultado final es tachar con energía, con seguridad, sin miedo. Y es que perder el miedo a realizar algo fuera de lo normal, original, que se salga de lo convencional, es el primer paso para liberar la mano, objetivo fundamental de esta primera etapa del curso.
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| Secrets of the Mountain, 2010 |
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| Mi dibujo |
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